艺览北京 2022: 线上展厅

曹再飞说：“生活中我是个简单随和的人，常常会迁就、妥协，甚至与世无争，但在艺术上喜欢自我死磕，甚至不在意他人的眼光。长期单兵作战，游离于各个圈层之外，形成了自己独特的视角与思考，既保持理性克制，又喜欢神秘主义，在正经与不正经之间寻找平衡。题材内容都是大家熟知的雕像、名画和日常事物，用一个不经意的动作改变了他们原有的含义，形成了我个人的语法。对我来说绘画语言越简单质朴越好，甚至夹杂着生硬、笨拙，有点范伟式的土味，并自带喜感。”

该作品出自常陵《大玄玄社会》系列。“大玄玄社会” 延续了常陵对社会现实的关照，但这类现实更加内化而深入，是常陵用情感和记忆堆砌而成的时代幻像。在“大玄玄社会”系列的创作中，常陵提出并践行艺术的 “恰恰” 精神。他鼓励创作者摒弃逻辑的束缚，仅仅将作品看做是自身情感的流露和精神世界的外化。

郭海强说：“我喜欢通过写生来锤炼绘画语言，雕塑经验的带入，让画面里散发出充沛的身体感和物质感。用最朴素直接的方式集中色彩和形状的凝聚，把传统手法和当代绘画意识融合。我一年四季在山中穿行，画春暖，画夏阳，画秋爽，画冬藏，日复一日，就像我父母一辈子在地里劳作一样。”

“胡子画中的线条有棱有角，直来直去。画中人物的边缘轮廓粗钝差互，这种线条强化了画中人物个性的暗面。如果借用贡布里希 ‘图式与修正’（schema correction）的说法，那胡子对西方肖像画“图式”的重访，也即她以自己独特的视觉语言对其所作的 ‘修正’。贡布里希在《艺术与错觉》一书中写道：‘艺术家的创作不可能无中生有，但可以对前辈们评头画足。’ 这些自画像等待着后世艺术家的 ‘修正’，一如她‘修正’了十六十七世纪的这些历史肖像。光明与黑暗，昼与夜，阴与阳贯穿着人类的全部历史，也潜含于人类存在的本质，一同溶解在了胡子的暗面中”，Andy Cohen说。

九九的创作主要涉及纸本丙烯、综合材料绘画及装置。其创作观念及创作实践围绕日常生活与情感展开，并在《埋头画画》系列作品中尝试模糊生命与绘画的边界，试图回到绘画的本质状态进行无目的性的绘画，审问绘画本身的意义、生活的意义与自我的意义。

李珊以“非官方”艺术家的身份参加了“无名画会”在1974年的地下展览及1979年相对开放的公共展览，在这一时期创作中，树木、花卉与景观是艺术家始终掌握的母题；高洁的梅花与清雅的菊花都是艺术家的个人肖像，反映着艺术家自己的心理现实。而在最近新作中画面出现的场景多半来自艺术家在世界各地的遨游，而这些新作相较于七十年代的写生在色彩上更加明快鲜亮且都保留着她娴熟入微的独特笔触

晚唐诗人王贞白在《白鹿洞二⾸》中提出的时间概念——“一寸光阴一寸金”。刘任在一寸边长的金箔方块上覆盖经过像素化处理而呈现出颗粒感的海面，可度量的物理距离被用来暗示不可度量的心理距离。

艺术家通过画面中的色彩分隔破除不同情境之间的必要边界却又渲染出戏剧性的间离效果。破碎的人物剪影与野蛮生长的巨大植物或建筑废墟相互纠缠，叫人无法分辨艺术家究竟是在直觉地反映自己所处的生存环境，还是有意地带领观者逃离无所不在的日常秩序。由艺术家编造的这一题材在指向上十分暧昧，弥漫在画布上的复杂气氛既叫人向往，却又不免令人生畏。瞬间的亲密与疏离是意识之内的真实片段，理想的栖息之地可能并不存在。

曲丰国的“四季”系列始于一种与“物哀”同工的审美意识，是艺术家对作为自然物的季节所带来的无常感与极致情绪的不自觉捕捉，情不自禁地从变幻流转的外界事物中获得了幽深玄静的洞察与身体力行的共振，仿佛将人与物之间的距离扩张成转瞬的间期。抽象作为惯习得以出现，而非基于场景的摹本。虽然在近阶段的“四季”中，分割的叠加与叠加的分割作为结构要素在画面中央占据了不少几何母题，但曲丰国创作语言的核心是空间与空间性的消失。

“有形之光”是将一张完整的照片分割、计算、压缩和裁切，直立之后碎片的影子叠加还原成一张完整照片的影子图像，这个动作过程至关重要，所以也可以把它看成是一种过程的记录结果，它让我们联想到今天“碎片化”的生活和图景。一幅照片里拍摄的无论是什么，终究只是一些光化反应，即使你相信它是可以替代对象本身，那个对象也已经不存在，或者改变了。王宁德的作品向观众呈现图像的同时，提示自身的虚幻，质疑我们对世界认知的正确性。